BAJO EL SOL DE LA MUERTE EN LA GALERÍA ESPACIO MÍNIMO

BAJO EL SOL DE LA MUERTE EN LA GALERÍA ESPACIO MÍNIMO
"Bajo el Sol de la Muerte"
Del 15 de diciembre de 2012 al 26 de enero de 2013
Galería Espacio Mínimo

Miguel Andrade Valdez

Siguiendo la línea de colaboración con galerías extranjeras para dinamizar y revitalizar su programación habitual, iniciada la pasada temporada con el proyecto Pato o conejo de Saúl Sánchez en colaboración con la galería Nueve Ochenta de Bogotá, la Galería Espacio Mínimo presenta en esta ocasión la exposición Bajo el sol de la muerte, proyecto en colaboración con REVOLVER galería de Lima (Perú) que agrupa una interesante selección de trabajos, algunos creados especialmente para este espacio, de diez artistas peruanos –nueve de nacimiento y uno de ubicación- que más allá de la diversidad en los formatos y las técnicas utilizadas, se caracterizan por los problemas en los que centran su atención, lográndose establecer un par de categorías que agrupan los trabajos de la muestra: un primer grupo cuyo interés se centra en la utilización de la palabra (pero también de los signos, las huellas o los indicios) para construir imágenes que dan cuenta del transcurso del tiempo, y un segundo grupo que se compone de artistas que trabajan sobre su entorno más inmediato (Lima sobre todo) convirtiendo el espacio y la identidad en el eje central de sus obras.


Miguel Andrade Valdez presenta una instalación donde una viga de cemento atraviesa por completo el espacio expositivo. Una obstrucción evocadora de trabajos escultóricos no realizados por artistas profesionales, que por el contrario se inscribe dentro de una compleja serie de paradigmas escultóricos alternativos, más intuitivos y caprichosos, donde la ubicación misma de la pieza pareciera ser obra del azar.

Elena Damiani
Elena Damiani presenta un díptico que forma parte de una serie de 5 obras titulada El Final Del Día. Se trata de imágenes encontradas en archivos digitales del US Geological Survey que retratan un territorio desolado tan vacío que podría significarlo todo. La serie busca plasmar anotaciones mentales de un recorrido, a través de un lugar-territorio desconocido, donde el medio de la nada se convierte en lugar, en un espacio mental que evoca a la memoria colectiva. La geometría se superpone como veladura que tiñe a estos paisajes de una luz azul para hacer referencia al tiempo, específicamente a aquel momento en donde el sol poniente se esconde, a un tiempo por terminar o a un recuerdo por desvanecerse.
   
En la serie Monumentos, Pablo Hare fotografía la costa y la sierra central y sur oriente del Perú documentando la anárquica ola monumental que se extiende por todo el territorio. Contradiciendo las tradicionales formas a través de las cuales el espacio público y la edificación de monumentos y memoriales se ha abordado en occidente, en el Perú, la ausencia del Estado ha dejado estos espacios al libre albedrío de sus pobladores y autoridades locales.

Philippe Gruenberg muestra fotografías de su serie Desierto Barroco. Forman parte de una grupo de trabajos sobre parques-jardines que en su conjunto conforman una suerte de paisaje vernáculo escondido entre los pliegues de los diversos barrios y distritos de la ciudad de Lima. Paisajes urbanos que son el resultado de la acción de fuerzas culturales espontáneas, fortuitas y caprichosas.
  
Jerry Martin obtiene dibujos a partir de escribir una y otra vez con una máquina de escribir sobre el papel. Logrando luces, sombras y gestos, la obra relata frases y textos completos de críticos y filósofos de la escuela de Frankfurt referentes a política y religión. Rostros de expresiones desgarradoras, cuerpos yacentes, posturas desamparadas, son todas ellas imágenes de performances realizados en los años 70, expresiones de un arte efímero que se delinea en el tiempo y que sólo podemos “aprehender” fragmentariamente mediante una fotografía, o en esta ocasión, a través de un dibujo que en secreto, nos cuenta aquello que fue representado.
 
Jerry B. Martin
 
El trabajo de Andrés Marroquín se centra en la interacción de los símbolos para comprender las relaciones entre cultura y modernidad en varias regiones de Latinoamérica. Presenta 4 fotografías de la serie Colectivo, centrada no en la historia de los motivos que aparecen representados (automóviles estadounidenses de los años 70) ni en sus pasajeros, sino sobre su adaptación cultural con la cual han creado una interpretación propia de la modernidad.

Ishmael Randall Weeks recolecta materiales desechados, todos ellos reciclados, para alterarlos y crear espacios arquitectónicos u objetos dotándoles de un nuevo uso y valoración. Para esta ocasión ha creado la pieza Heraldos Negros en la que reproduce el poema de César Vallejo del mismo título con letras recortadas de impresiones en neumáticos y unos trofeos del mismo material dedicados al poeta.

Juan Salas muestra una imagen en movimiento sumamente abstracta e hipnotizante debido a su cualidad monótona y repetitiva, que aun habiendo evidenciado los mecanismos de su generación, conserva la cualidad de dar pie a asociaciones diversas como por ejemplo al paisaje o a la observación científica, incluso teniendo la certeza de saber realmente de qué se trata. La obra pendula entre la presentación directa de un accionar mecánico reconocible, observado en la pequeña escultura cinética y su abstracción, a la que nos enfrentamos mediante la video proyección, resultado del registro en circuito cerrado de la misma.

Giancarlo Scaglia ha creado para esta exposición una de sus pinturas de gran formato, sórdidas y al mismo tiempo enigmáticas. Bajo la certeza de un suceso dramático, violento o incluso macabro, el artista deja al espectador completamente abandonado a la imposibilidad de interpretación precisa de la historia pero con la certeza del acaecimiento de un hecho desgarrador.

José Vera Matos presenta una de sus obras que literalmente versan sobre los discursos espirituales que se han retomado enérgicamente en los últimos años. En esta ocasión se trata de la transcripción Manuscrita del Libro La Filosofia de la Libertad de Rudolf Steiner en tinta china sobre papel de algodón en distintos tamaños de letras, enfatizando algunas frases con grandes caracteres y ocultando párrafos enteros con diminuta caligrafía. Si bien se podría hablar de una transmisión de la voz de autores de la llamada literatura o pensamiento de la Nueva Era, el mensaje parece ser encriptado, limitando así la percepción del espectador, pero dándole a entender al mismo tiempo que la esencia de estos discursos es difusa y hermética.
 
José Vera Matos
 

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