CICLO "EL CINE DE 1930" EN EL MUSEO REINA SOFÍA

CICLO "EL CINE DE 1930" EN EL MUSEO REINA SOFÍA
Museo Reina Sofía
Del 4 al 31 octubre 2012
Edificio Sabatini, Auditorio. Santa Isabel, 52


Lunes 8 de octubre
Transformados por la tecnología: invención, trabajo y el nuevo hombre

Hands
Willard Van Dyke y Ralph Steiner (Estados Unidos, 1934). 16 mm, 4’. Copia de exhibición en DVD procedente de National Archives at College Park, Maryland.
Van Blikesemschicht Tot Televisie
Hans Richter (Holanda, 1936). 35 mm, 29’. Copia procedente del Eye Film Instituut, Amsterdam. Derechos Philips Company Archives y Marion von Hofacker.
Metall des Himmels
Walter Ruttmann (Alemania, 1935). 35 mm, 12’. Copia procedente del Bundesarchiv, Berlín.
Das Stahltier
Willy Otto Zielke (Alemania, 1935). 16 mm, 76’. Copia procedente de la Deutsche Kinemathek, Berlín. Derechos Deutsche Bahn AG, Núremberg.

Esta sesión prosigue con el análisis del fetichismo tecnológico en relación con el marco ideológico de la invención y la estetización del trabajo. Estas películas emplean estrategias visuales normalmente asociadas con la vanguardia para satisfacer todo un abanico de encargos políticos —desde el corto realizado para la WPA por William Van Dyke y Ralph Steiner, pasando por la teleología triunfante de la invención, realizada por Hans Richter para la Phillips Corporation, hasta la película propagandística de Walter Ruttmann que ensalza la industria nazi del acero—. El largometraje «documental» de Willy Zielke Das Stahltier, encargado por la Deutsche Reichsbahn para conmemorar su centenario, fue rechazado por su carácter experimental demasiado extraño y no llegó a exhibirse al público. Zielke, que trabajó con Leni Riefenstahl como cámara en varias de sus películas nazis, estaba claramente influenciado por las estrategias estéticas de la Nueva Objetividad (Neue Sachlichkeit) y del Surrealismo produciendo una visión espiritual y antropomórfica de la innovación tecnológica.


Jueves 11 de octubre
La representación de España: películas documentales del pabellón de la Exposición Internacional de París de 1937

Almadrabas
Carlos Velo y Fernando G. Mantilla (España, 1934). 35 mm, 21’. Copia procedente de la Filmoteca Española, Madrid.
La ruta de Don Quijote
Ramón Biadiu (España, 1934). 35 mm, 19’. Copia procedente de la Filmoteca Española, Madrid. Derechos Mercé Biadiu.
Madrid
Manuel Villegas López (España, 1937). 35 mm, 29’. Copia de exhibición en DVD procedente de la filmoteca Española, Madrid.
España 36
(También conocida como España 1936. España leal en armas). Jean-Paul Dreyfus, llamado Jean-Paul Le Chanois (España, 1937). 35 mm, 35’. Copia de exhibición en DVD procedente de la Filmoteca Española, Madrid.

Coordinado por Luis Buñuel, el programa de cine del pabellón español se ajustaba perfectamente a las metas y los temas de la agenda general de la República en su presentación internacional en París. El Gobierno quería presentar a España como una identidad nacional coherente basada en el equilibrio entre un progreso moderno con miras al futuro y un compromiso con sus raíces en las culturas y tradiciones regionales. La República quería igualmente reconocer su estado de sitio al tiempo que reafirmaba su legitimidad democrática como gobierno elegido. De las once películas proyectadas originalmente en el pabellón, siete eran documentales, de los cuales esta sesión incluye cuatro: dos películas realizadas justo antes de la guerra, que reflejan las ambigüedades del pasado y el presente en descripciones orquestadas con gran belleza de la industria atunera en el sur de España (Almadrabas) y de los paisajes de Don Quijote de la Mancha (La ruta de Don Quijote). Los otros dos documentales (Madrid y España 36), encargados por el Ministerio de Asuntos Exteriores y realizados a base de material de archivo de noticiarios franceses, españoles y soviéticos, estaban claramente destinados a recabar el apoyo de las naciones extranjeras a la República en su lucha contra la agresión fascista.


Lunes 15 de octubre
La Guerra Civil española a través de la mirada de otros

Noticiario UFA (12 de Mayo de 1937)
(Alemania, 1937). 16 mm, 8’. Copia procedente del Bundesarchiv, Berlín.
News of the Day, an MGM release 
Hearst Newsreel Collection (Estados Unidos, 1937). 35 mm, 10’. Copia de exhibición en DVD procedente de UCLA Film and Television Archives, Los Ángeles.
The Abraham Lincoln Brigade in Spain
Henri Cartier-Bresson y Herbert Kline (Estados Unidos, 1938). 16 mm, 21’. Copia de exhibición en DVD procedente de Abraham Lincoln Brigade Archives, Nueva York.
Sierra de Teruel / Espoir
André Malraux (España / Francia, 1939). 35 mm, 73’. Copia de exhibición en Betacam digital procedente de la Filmoteca Española, Madrid.

Estas películas ofrecen un atisbo de las múltiples maneras en las que se representó la Guerra Civil española en los medios de comunicación extranjeros durante el propio conflicto, tanto por parte de los simpatizantes de la República como por la de sus agresores. Espoir, el filme épico de André Malraux rodado fundamentalmente en Cataluña, fue censurado por el Gobierno francés tras ser finalizado en 1939, para no deteriorar sus relaciones con el victorioso Franco. La película de Henri Cartier-Bresson y Herbert Kline, descubierta recientemente en los archivos del Batallón Abraham Lincoln y mostrada por vez primera en España, constituye una crónica de las actividades de las tropas de voluntarios estadounidenses desplegados en el bando republicano. En contraste, un noticiario nacional-socialista de la UFA desarrolla una interpretación propagandística perversa del bombardeo de Guernica, pretendiendo que los responsables de la agresión fueron soldados bolcheviques, y no los aviones de la Legión Cóndor alemana.


Miércoles 17 de octubre
Poesía realista y realismo poético

Coal Face
Alberto Cavalcanti (Reino Unido, 1935). 16 mm, 12’. Copia procedente de la Deutsche Kinemathek, Berlín. Derechos British Film Institute, Londres.
El muelle de las brumas
[Le Quai des Brumes], Marcel Carné (Francia, 1938). 35 mm, 91’. Copia procedente de Tamasa Distribution, París.

Con el fin de cuestionar las paradojas inherentes al término “realismo”, esta sesión reúne una película icónica de la corriente documental británica y un clásico del cine narrativo francés. Con ello, muestra cómo junto al realismo documental político, existía un realismo cercano al naturalismo, basado en la expresión poética en su análisis de un contexto determinado. Coal Face, un montaje a base de metraje ya existente con sonido discordante, corales inquietantes y un madrigal proletario, fue el resultado de la colaboración de tres figuras clave de la modernidad: el director de origen brasileño Cavalcanti, el compositor Benjamin Britten y el poeta W. H. Auden. Los tres autores mezclaron realismo y estética vanguardista para producir una crítica social de las condiciones de vida y de trabajo de la mina.

La sombría poética de El muelle de las brumas [Le Quai des Brumes], una adaptación a la pantalla de la pintoresca novela de Pierre Mac Orlan, se nutre de los márgenes transgresores de la vida urbana moderna. La narrativa del filme es impulsada por su evocadora atmósfera visual, de la que no se pueden separar los protagonistas y sus destinos. El sentido único de “atolladero existencial” en el realismo poético se hace posible a través de la imaginación visual y al conocimiento de las sofisticadas técnicas de iluminación y cinematografía que aportaron los emigrantes alemanes y europeos del este a la industria cinematográfica parisina.


Lunes 22 de octubre
Realismo socialista soviético para la República Española

Sobre los sucesos de España nº 9
[K sobytiiam v Ispanii. 9], Roman Karmen y Boris Makaseev (Rusia, 1936). 35 mm, 8’. Copia de exhibición en Betacam digital procedente de la Filmoteca Española, Madrid.
Los marinos de Kronstadt
[My iz Kronshtadta], Efim Dzigan (Rusia, 1936). 35 mm, 88’. Copia procedente de Arkeion Films, Francia. Derechos Mosfilm.

El 18 de octubre de 1936 se formaron largas colas frente al cine Capitol en Madrid para el estreno de un largometraje épico soviético sobre un grupo de marinos que defendieron con valor la ciudad de Petrogrado en 1919 frente al ataque de las tropas del Ejercito Blanco. Esa película, visualmente cautivadora, fue la primera producción soviética que se proyectó en España y marcó el principio de la breve campaña llevada a cabo por Stalin para apoyar a la República. Dolores Ibárruri, portavoz del Partido Comunista Español, promovió con entusiasmo Los marinos de Kronstadt [My iz Kronshtadta], escogida por el paralelismo político con el esfuerzo militar republicano. Después del estreno en Madrid, la Comisión de Trabajo Social del Ejército Popular, así como una unidad móvil soviética de agit-prop, organizaron la proyección de la película para miles de soldados republicanos a lo largo del frente norte y en docenas de pueblos y ciudades leales a la República. Sobre los sucesos de España nº9 [K sobytiiam v Ispanii. 9], que describe la excitación que suscitó en Madrid el estreno de Los marinos de Kronstadt, es un episodio de una serie de documentales sobre España encargados por el Estado soviético para promover que la población rusa se adhiriese a la causa republicana. Parte del metraje producido por los dos cineastas soviéticos responsables de los documentales, Roman Karmen y Boris Makaseev, sería retomado más tarde en películas como España 36 o Madrid , incluidas en la sesión 4 de este ciclo).


Jueves 25 de octubre
Narrativas del colonialismo en el cine documental y de ficción

Song of Ceylon
Basil Wright (Reino Unido, 1934). 35 mm, 40’. Copia procedente del British Film Institute, Londres.
Visitantes ilustres: Paul Robeson en Barcelona
Noticia en Espanya al día. Laya Films (España, 1937-38). 35mm, 43’’. Copia de exhibición en Betacam digital procedente de la Filmoteca Española, Madrid.
Bosambo [Sanders of the River]
Zoltan Korda (Reino Unido, 1935). 35 mm, 98’. Copia procedente del British Film Institute, Londres. Derechos Park Circus, Glasgow.

Esta sesión aborda el marco ideológico del colonialismo británico en el cine de los años treinta. Song of Ceylon surge de un encargo de la Ceylon Tea Propaganda Board para producir cuatro documentales de viajes sobre la isla (actualmente Sri Lanka). Como es usual en las prácticas etnográficas, el filme enfatiza el carácter exótico de “isla virgen”, le niega a los súbditos coloniales el derecho a hablar por sí mismos y no se ocupa de las relaciones cambiantes políticas de Ceylán con el Imperio Británico ni de su creciente movimiento independentista. Pese a todo, la película rompe los moldes tradicionales del género de viajes por medio de sus impactantes yuxtaposiciones de montaje de imágenes con una banda sonora experimental.

Bosambo [Sanders of the River], ambientada en la antigua Nigeria Británica, fue la primera película de una serie producida por Alexander Korda que presenta un ensalzamiento carente de crítica del aspecto benéfico y paternalista del imperialismo británico. Protagoniza la película Paul Robeson, el renombrado actor, tenor y activista político estadounidense, en el papel de un líder tribal africano que coopera con las autoridades coloniales. Sin embargo, después de ver el montaje final, Robeson renegó de la película por su racismo condescendiente. El extracto del noticiario Espanya al día documenta la visita a España de Robeson en enero de 1938, durante la cual estuvo cantando en apoyo a las tropas republicanas y a las Brigadas Internacionales que luchaban en Teruel. Después de su viaje, Robeson prosiguió con su ferviente campaña en apoyo de la causa republicana.


Lunes 29 de octubre
Cine anterior a la independencia y emancipación de la mujer: la industria cinematográfica india en los años treinta

Kunku
Rajaram Vankudre Shantaram (India, 1937). 35 mm, 148’. Copia de exhibición en DVD procedente del National Film Archive of India, Pune.

Los años treinta marcaron el auge de la industria cinematográfica india, así como del movimiento político nacionalista, habitualmente ausente en las narrativas occidentales de la historia del cine moderno. Aunque la introducción del sonido plantease un desafío tremendo para un país con semejante diversidad de lenguas nativas, el protagonismo de las nuevas formas del drama musical permitía explotar unas tradiciones culturales antiguas y respetadas, de manera que los espectadores indios se congregaron en torno a las producciones nacionales. A pesar de que los directores de los estudios trataron de implicar a los líderes nacionalistas en esfuerzos por promover la industria del cine bajo el dominio colonial, a los líderes del movimiento independentista no les interesaba en absoluto el cine como parte de una campaña mayor de construcción nacional. Con todo, los realizadores indios empezaron a enfrentarse a temas sociales modernos: Kunku fue el primer desafío a la tradición de los matrimonios convenidos, así como al tabú de casarse de nuevo tras enviudar. Dirigida por V. Shantaram, fundador de la influyente Prabhat Film Company, la película está protagonizada por Shanta Apte, una de las grandes actrices-cantantes de la época.


Miércoles 31 de octubre
El culto a la distracción

Hollywood: City of Celluloid
Sten Nordenskiöld (Estados Unidos, ca.1932). 35 mm, 7’. Copia de exhibición en DVD procedente del UCLA Film and Television Archive, Los Ángeles.
How stars are made at MGM Dramatic School. Hollywood, California
Material de archivo de los noticiarios Hearst (Estados Unidos 1934). 35mm, 5’. Copia de exhibición en DVD procedente del UCLA Film and Television Archive, Los Ángeles.
Dada
Mary Ellen Bute (Estados Unidos, 1936). 16 mm, 2’. Copia procedente de Arsenal. Institut für Film und Videokunst e.V., Berlin.
Vampiresas de 1933 
[The Gold Diggers of 1933], Mervin LeRoy (Estados Unidos, 1933). 35mm, 97’. Copia procedente de la Library of Congress, Washington. Derechos Warner Bros Pictures Int. Spain.

Este programa investiga la factoría del sueño americano desde el punto de vista de la construcción del espectador, basada en el “culto a la distracción” Esta expresión crucial fue introducida por el teórico alemán Siegfried Kracauer en un ensayo1 de 1926 en el que argumentaba que el cine, con toda su superficialidad, no sólo construye una ilusión, sino que puede servir tanto para enmascarar como para reflejar la vacua realidad de la vida moderna. En la “secuencia fragmentada de espléndidas impresiones sensoriales” de las películas, Kracauer encuentra el potencial para que el público sea consciente de su propio estado de alienación —una forma de considerar la audiencia moderna y la formación del sujeto que conduce de nuevo al punto de partida del ambiguo optimismo de Benjamin respecto a la experiencia cinematográfica—. Al mismo tiempo, ambos críticos comprenden que el fascismo podría sortear ese potencial para el cambio social, al ofrecer a las masas autoexpresión en lugar de acción política real. Kracauer relaciona lo que llama “ornamento de masas”, ejemplificado en las actuaciones sincronizadas de grupos femeninos de baile, con el placer visual que se percibe en el boato fascista de la multitud. El “ornamento de masas”, argumenta, puede movilizar físicamente al proletariado, pero su consumo mecánico sólo sirve para distraerlo de la acción colectiva contra un sistema político totalitario. Tal vez es en The Forgotten Man, el número final de Busby Berkeley en Vampiresas de 1933 [The Gold Diggers of 1933], donde la conexión entre violencia, conflicto de clase y objetivación escópica se pone de manifiesto, en una interrupción a la empalagosa felicidad que por otro lado emana de la película.

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